Impresionismo, moda y modernidad

Impresionismo, moda y modernidad, son tres conceptos que se unen para presentar una mirada que revela el papel de la moda en las obras de los pintores impresionistas y sus contemporáneos. Unos ochenta cuadros de figuras importantes en conjunto con trajes de época, ponen de relieve la relación vital entre la moda y el arte durante unos años cruciales para la moda, desde mediados de la década de 1860 hasta mediados de 1880, cuando París era la capital del estilo del mundo. Exposición que pudo verse hasta el pasado mayo en el Museo Metropolitano de Arte de New York.

Con el auge de los grandes almacenes y la proliferación de revistas de moda, la vestimenta contemporánea adquirió una mirada fresca captada como nadie por Manet, Monet, Renoir, Baudelaire o Zola.

  

La novedad, la vitalidad y el encanto fugaz de las últimas tendencias en la moda resultaron atractivas para una generación de artistas y escritores que trataron de dar expresión con toda riqueza de matices. Los ilustradores de moda y los impresionistas, dedicaron estrategias similares en sus representaciones de los parisinos elegantes (y en el marketing), que buscaba reflejar el espíritu de su época. Para los pintores de la vida moderna, la moda importaba y necesitaban reflejarlo.

En esta exposición, artistas como Monet o Tissot gravitaron el vestido contemporáneo como la clave para vigorizar las tradiciones raídas con el sentimiento moderno. Y poetas como Stéphane Mallarmé, lanzaron su propia revista de moda en 1874.

Los críticos se apresuraron a evaluar esta tendencia, burlándose de estos retratistas. En la década de 1860, los artistas mostraron sus ambiciones y sacaron sus paletas a la calle, pintando escenas contemporáneas de ocio que ensalzan la belleza fugaz, las cualidades efímeras de luces y sombras, al igual que pasa con las últimas tendencias en la moda (vestidos de algodón, piqué, adornados con bordados scrollwork negro, quedaban perfectamente retratados).

 

 Monet volvió al tema de la mujer en El jardín (Musée d'Orsay, 1866), donde detalla vestidos que salen del cuadro para ser expuestos confrontados con sus representaciones. También el color negro desde el seductor bohemio Manet toma otra dimensión y los vestidos de seda negros transmiten la elegancia mundana y sensual de un periodo de cambios.

En la década de 1870 dio paso a la década de 1880, y el bullicio cedido a la aerodinámica "el estilo princesa", la moda afirmó el interés de un círculo cada vez más amplio de los artistas como Camille Corot o Paul Cézanne. Los intereses de pintor cambiaron junto a las tendencias, sus atenciones; detalles de faldas bordadas y enaguas de volantes, poco a poco tornaron a una desmaterialización de la luz del sol sobre la tela, de la fugacidad de la moda a la variabilidad del tiempo y la luz.

Si bien los códigos de vestimenta para las mujeres dictaron una panoplia, las opciones para los hombres en el siglo XIX eran simples, poco inspiradoras para los artistas. Pero aceptaron el desafío de agregar distinción a sus representaciones del hombre moderno con la invención o poses y el nuevo uso de accesorios (tipificado por una variedad de prendas para la cabeza y el período del uso de bastones).

Degas exploró los sombreros de copa para animar la escena y definir su figura central, el banquero y coleccionista. 

Con un enfoque renovado, los pintores volvieron a las revistas de moda y se apoderaran de la silueta femenina en toda su longitud, para el estudio de los corsés que dieron forma a la forma y sombreros y zapatos, que dieron altura.

Para los principales críticos de la época impresionista, la modernidad era un fenómeno urbano. Los bulevares, salones de baile y los palcos dorados, ofrecen nuevas perspectivas y lugares para ver y ser visto.

La pintura también anunció el fin de una era en la moda. La siguiente generación de artistas los post-impresionistas, trabajarían con la imaginación sobre la observación y el sentimiento intemporal, sobre los caprichos efímeros de la moda que todavía llegan a nosotros.